“沉浸式”是对艺术体验的一种描述。这一描述从精神层面走向感官层面，并成为一种社会文化现象，主要依靠的是虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术。换句话说，沉浸式艺术成为一个社会议题和艺术命名，是技术的结果。

技术“强迫”感官变得“沉浸”起来，从而赋予主体以很强的代入感，这是沉浸式艺术给人的直观感受。而这种感受的最大特征，就是通过视听觉，在VR大空间或演艺新空间中，牢牢把握住人的注意力。无论是虚拟现实技术主导的《永恒的巴黎圣母院》VR数字沉浸展、《唐朝诡事录·西行》VR国潮沉浸剧场，还是场景重构主导的《今夕共西溪》《知音号》等沉浸式叙事艺术，故事讲述者通过移步换景的手法，始终在牵引着人的注意力。它们或随着剧情的演进而进入不同的画面，或随着导览者的讲解而走向不同的空间，或随着NPC的指导变换进入不同的舞台坐席……总之，观众是“死”的。所谓“第四堵墙”，依然存在；那盏看不见的“追光灯”始终是导演的化身。

注意力的高度集中，一定意义上意味着共情主体的消散。后者是传统静观式艺术体验的内核。在传统艺术中，人只有在自我与艺术之间建立起某种情感关联，让主体进入某种“神与物游”的想象世界里，审美体验才能真正实现。灵韵也由此诞生。可是，如今的沉浸式艺术打破了这一惯例。它用声光电提高了作品的娱乐性，聚焦了观众的注意力，也一定程度上泯灭了他们的想象力。

那么，沉浸式艺术的灵韵是否消失了呢？答案是否定的。沉浸式艺术有三种保有其灵韵的路径：一是拓展虚拟现实技术，让现实中丰富的“物质褶皱”也能进入虚拟世界。当前，大量实景被3D扫描，变成数字资产，精修入库，实现多元应用，诸多元宇宙与数字人的应用场景也在拓展之中。可是，相比于线下世界的不确定性，高度依赖注意力牵引的虚拟世界仍显无聊，无法让人久在其中。这就要求沉浸式艺术能够尽可能丰富、多元而细腻地“复刻”现实，让人们自主、自愿地进入艺术世界的细节之中，或剧情的多元走向之中，从数字“褶皱”里找到世界本来与可能的样子。这样，人才不会被“牵着鼻子走”，哪怕在虚拟状态下也能体会到世界的丰富与深刻。

二是保持沉浸式艺术的“约定”之感，让其间离效应更有用武之地。毋庸讳言，现有技术的“虚拟”之感仍然是很明显的。哪怕戴上头盔或眼镜，穿上特殊的服饰，摆置出各种道具，听从游戏安排，“假”和“演”的意味仍然浓郁。这种艺术上的约定俗成，本是戏曲的常态，中国观众十分熟悉。而沉浸式艺术的本意恰是要打破这一常态，让人能更为便捷地进入艺术世界。可是，一旦彻底“沉浸”，人就彻底被“骗”了。要想不被“骗”，就要在感官的强烈刺激中，保持精神的一点灵明，牢牢记住“艺术本即是一种约定”的公理。在有限的间离中，返身抽离出来，实现主体和精神的有效参与。这就保证了灵韵的不散。

三是鼓励公众养成及时反思沉浸式艺术体验的习惯，训练和提升其美学素养。对于沉浸式艺术来说，想象力往往是后设的。即使叙事部分有间离的空间和可能，主体的一点灵明也很难时刻保持清醒。这就需要观众保持反思意识，在“沉浸”结束后的“出离”状态中，及时总结经验，梳理感受，形成批判。“掩卷长思”“一唱三叹”“余音绕梁”本就是审美经验的重要内容。而随着沉浸式艺术的普及，艺术欣赏的门槛持续降低，这种后置的想象力与批判意识将变得更为重要。

一方面，沉浸式艺术的评价标准和美学规律有待学界的深入探讨，而另一方面，作为社会艺术生活的重要组成部分，公众也有必要因应沉浸式艺术的发展而改变传统静观式艺术观，在新的条件下形成有利于主体精神成长的新灵韵观——这种灵韵不在审美对象上，而在审美主体对自我注意力和想象力的平衡之中。

“中国沉浸式艺术发展现状与趋势研究”课题组，执笔人：课题负责人林玮、课题组成员黄偲迪

来源：中国艺术报